.

Farm-house. Its outward aspec

2009-09-04T21:28:43+00:00

knows he was once as poor as we are: while you and I are labouring and
toiling from morning to night, and can but just get enough to fill our
children's mouths, and keep ourselves coarsely clothed, and hardly
that." "Wife," answered the man, "having food and raiment, let us
therewith be content. And if it please God that even these things should
fall short, let us submit ourselves to God in patience and well-doing,
for he gives us more than we deserve." "There, now you are got to
preaching again," said the woman; "you never give me an answer, but you
must always go to your Bible to help you out." "And where can I go so
well?" replied the husband. "Is it not God's own word for our
instruction?" "Well, that may be, but I don't like so much of it,"
answered she. "And I do not like so little of it as I see and hear from
you," returned the man. "Why, that book has taught me that it is an
honour and comfort to be a poor man, and, by the blessing of the Spirit
of God, I believe and feel it to be true. I have, through mercy, always
been enabled to get the bread of honest industry, and so have you; and
though our children feed upon brown bread, and we cannot afford to buy
them fine clothes, like some of our vain neighbours, to pamper their
pride with; yet, bless the Lord, they are as healthy and clean as any in
the parish. Why then should you complain? Godliness with contentment is
great gain!" "An honour and a comfort to be a poor man, indeed! What
nonsense you talk! What sort of honour and comfort can that be? I am out
of patience with you, man," the wife sharply cried out. "I can prove
it!" replied he. "How?" returned his partner, in no very pleasant tone
of voice. "My dear," said the good man, "hear me quietly, and I will
tell you." "I think it an honour, and I feel it a comfort, to be in that
very station of life which my Saviour Jesus Christ was in before me. He
did not come into the world as one that was rich and great, but as a
poor man, who had not where to lay his head. I feel a blessing in my
poverty, because Jesus, like me, was poor. Had I been a rich man,
perhaps I should never have known nor loved him. 'For not many mighty,
not many noble, are called.' God's people are chiefly found among the
base things of the world, and things which are despised. This makes my
poverty to be my comfort. "Besides, hath not God chosen the poor of this
world, rich in faith, and heirs of the kingdom which he hath promised to
them that love him? This t

---Adjuntos---

Cuevas y Botero por Thirion ( II )

2009-07-13T04:44:24+00:00

--- El dom 12-jul-09,
Alberto Thirion <topazred@gmail.com> escribió:

De: Alberto Thirion <topazred@gmail.com>
Asunto: Cuevas y Botero por Thirion
A: albertothirion@yahoo.com, albertothirion@hotmail.com
Fecha: domingo, 12 julio, 2009, 2:27 pm

Alberto Thirion

The Best Geniuses in the Art of Wealth / Los Mejores Genios en el Arte de la Riqueza

best-genius-art

sábado 11 de julio de 2009

Cuevas y Botero por Thirion ( II )

Botero es más famoso que cuevas.Así por Cuevas, se pierde para Mexico el ser el centro del arte de Latino América.Así
lo dice Wikipedia.Fernando Botero Angulo es un pintor, escultor y
dibujante colombiano nacido el 19 de abril de 1932 en Medellín
(Antioquia). Considerado el artista vivo originario de Latinoamérica
más cotizado actualmente en el mundo. Icono..
las figuras emblemáticas del arte latinoamericano actual,dice Mejía,y más adelante afirma

Siempre hubo un denominador común entre los conceptos artísticos y las obras de ambos,
Veta Cuevas a Botero por no reconocerlo
16 Jun 2008 ... El pintor mexicano José Luis Cuevas asegura que el colombiano encontró e hizo de la obesidad un estilo gracias a él.

www.reforma.com/cultura/articulo/446/891885/
Me puse a inbestigar un poco sobre lo que se dice de Cuevas y Botero,esto es lo que hay por ahí.
sábado 25 de abril de 2009

ESTRAGOS DE LA DIOSA PERRA
CUEVAS EN XALAPA

Nadie
sabe cuál artista es más repetitivo y aburridor: Fernando Botero o
Cuevas (¿se llama Fernando Cuevas? Ya no me acuerdo). Se está
presentando una exposición de grabados o algo así de Cuevas en Xalapa.
La sala Ramón Alva de la Canal casi vacía. Los ¿cuadros?, ¿grabados?
insisten en repetir los mismos rostros, los mismos cuerpos, las mismas
figuras grotescas que lleva décadas vendiendo a algunos ignorantes. La
exposición se llama, sospechosamente "Cuados pintados durante el coito"
o algo así. Título sospechosamente parecido a los de mis libros Cuentos
para después de hacer el amor, Cuenos para antes de hacer el amor,
Cuentos EN LUGAR de hacer el amor (El imperio de las mujeres). Rostros
inexpresivos, cuerpos deformes. Lo que podría ser una provocación
(cuadros en los que se pintaran escenas eróticas de gran intensidad)
resulta ser aburridor: nada especial, nada original, una sensualidad
aburrida, sosa. Cuevas enamorado le pidió a su nueva esposa que
aplicara color y efectivamente en las cuados hay un tono amarillento
que se repite como fondo, sin matices. Platiqué con un admirado artista
plástico xalapañeno cuyo nombre no registro para no involucrarlo en
críticas que podrían perjudicarlo ante la institución en la que trabaja
--que fue, de paso, la que trajo a los Cuevas a Xalapa-- y él coincidió
conmigo: Cuevas ya no experimenta, ya no se arriesga, cayó en la fosa
que le abrió la Diosa Perra, la fama. Y sin embargo... fundió una de
las estatuas más impresionantes del siglo XX: La Giganta. Me temo que
el destino de los que alcanzan la gloria es repetirse, dormirse en los
amargos laureles, convertirse en esperpentos sociales.
Publicado por Marco Tulio Aguilera a las 13:47
Etiquetas: Diario de MT, fama, Fernando Botero, Jose Luis Cuevas
Con
esto recuerdo queunos días antes de morir Lourdes Chumacero,estando en
su Galería de la Zona Rosa,viendo mi obra ,dijo lo mismo;"Cuevas es lo
mismo y lo mismo",ella estubo muy interesada en representar mi obra
pero falleció,desafortunadamente.

Decía José Luis Cuevas en la Gaceta de Veracruz refiriendose a Fernando
Botero: " Ese es un imbecil, yo no quiero hablar de ese idiota

El
artista plástico colombiano Fernando Botero, ha realizado 79 obras
sobre la tortura a prisioneros en Abu Ghraib que expone en el museo de
la American University en Washington DC. Botero ha declarado que el
motivo de la realización de estas obras no es otro que el de "sacarse
la rabia" ante una conducta "inaceptable" del Gobierno estadounidense.

Durante la estadía en Washington, Fernando Botero conoció a José Luis Cuevas.
Ambos artistas permanecieron allí en contacto permanente durante una
temporada, intercambiando ideas y discutiendo conceptos. Cuevas era un
artista cuya obra, ya definida por el enfoque particular con que
acometía su temática, estaba a punto de sufrir un cambio notable en su
estructura plástica. Un dibujo suyo fechado el 29 de marzo de 1957,
titulado Mujer y hombre observando un trozo de carne, nos presenta
claramente esta transición: mientras el tronco de la mujer a la
izquierda es una mancha que apenas sugiere volumen, tanto sus
extremidades como el delineamiento del rostro poseen la expresa
debilidad y roto esquematismo del período que empezaba a superar; por
su parte, el robusto hombre de la derecha era de un volumen y un peso
tremendamente densos como los que han caracterizado a sus dibujos desde
entonces. Botero y Cuevas coincidían en el momento, no sólo en el
carácter transitorio de sus trabajos, sino en la búsqueda que ambos
realizaban (Botero a partir de Piero y Cuevas a partir de su recién
descubierto Mantegna) para dotar a sus figuras de la fuerza plástica
que convenía a sus propósitos expresivos. El hombre del dibujo
mencionado de Cuevas y el personaje de Botero en El festín de Baltasar,
se parecían de muchas maneras en su aspecto exterior. No así en su
interior, en el concepto que separaba a uno del otro: mientras la
figuración de Cuevas se cargaba de pathos, Botero ya daba señales de su
objetividad inconmovible (12) . De Washington el colombiano pasó a
Nueva York para conocer el ambiente de una ciudad que ya era el centro
indiscutible del arte contemporáneo del mundo capitalista, quitándole
tal privilegio a París. Aunque ya estaba declinando nacionalmente, 1957
fue el año en que el expresionismo abstracto de De Kooning, Pollock y
Kline alcanzo la cumbre de sus repercusiones mundiales. El Botero que
cuatro años antes estuvo en París y que se permitió ignorar a Soulage y
Hartung, resultó ahora sacudido por las obras de los norteamericanos.
En el fondo, todavía estaban presentes en él aquel romanticismo
torturado de sus comienzos y cierta inclinación por el expresionismo.
En De Kooning, el pintor que más lo atrajo, Botero encontró realizado
plenamente lo que en Nolde y Orozco se cargaba de excesos dramáticos.
Creo que estos son los puntos más interesantes de este escrito:
En La enana (1957) Botero trabajó cautelosamente
procurando evitar esta inconsistencia, pero no llegó muy lejos. Sin
embargo, en esta pintura se manifestó como hecho importante su
alejamiento de Obregón. Alejamiento manifiesto en el abandono de la
fragmentación de pianos que, a la manera de Braque, situaban en el
exterior todos los detalles de la composición. En La enana, la cabeza
era del tamaño del tórax, pero las partes del rostro guardaban una
relación normal entre ellas. La altura se acortaba por la expansión de
la forma hacia los lados, pero esta expansión era tímida y ambigua,
soslayando la posibilidad de que la masa adquiriera la forma que exigía
la tremenda gravedad de su peso. Botero encontró, en este punto de su
trayectoria, que todo el empeño lo había conducido a una zona, nunca
prevista, en la que florecían lo monstruoso y lo feo. Su primera
reacción fue de rechazo al sistema plástico que le daba su razón de ser
a estas criaturas. De allí que La enana nos parezca sentada pero de un
modo que el escorzo no define muy claramente. Un recurso para
presentar, justificar y negar a un mismo tiempo su estructura
anatómica. Como consecuencia de este rechazo, el título de la obra se
puede entender entonces como un pretexto literario, tras del cual se
escudaba el artista para explicarnos, en un arranque naturalista sin
fundamento, la deformación evidente. La preocupación por eludir el
feísmo la resolvió Botero con el uso decorativo del color y con un
inexplicable alejamiento, en el caso de La enana, de las posibilidades
monumentales que el hallazgo inicial ofrecía teóricamente. Fue este el
origen del nuevo período cromático que entonces se inició y del énfasis
fallido con que pretendió naturalizar ese humor que ya era inherente a
su figuración. Del mismo modo que en La enana trató de normalizar las
deformaciones contrapuntísticas, en Don Nuño Bufón (1957) se propuso
darle origen a la sonrisa espontánea que siempre acogía sus pinturas.
12
El encuentro de los dos artistas en Washington y a gran aproximación
formal entre sus obras durante el período expresionista de Botero,
1959-1962, ha dado origen a especulaciones según las cuales la
figuración del colombiano se derivé de la del mexicano. En la
edición de México en la Cultura, Suplemento de Siempre, de marzo 10 de
1971. CUEVAS declaró refiriéndose al año 1958: “Por esa época empecé a
ejercer influencia. El colombiano Fernando Botero, por ejemplo,
‘estrené’ su conocido estiló después de ver una exposición mía en Nueva
Nork en la que presenté mi Homenaje a Mantegna. Después Botero
recibirla la influencia hasta de ‘oídas’, pues constantemente se
informa de lo que estoy dibujando”. Creo que el análisis detenido de la
trayectoria de Fernando Botero que aquí ensayo, desvirtúa ampliamente
la megalomaníaca acusación del mexicano.
Bueno, muy bien y que es lo que dice la gente?que es lo que opina el pueblo?
por que esto es lo realmente importante,El pueblo siempre tiene la razón.

Pregunta;Tu consideras el trabajo de Jose Luis Cuevas como una obra de arte?

Según
Cuevas, el estilo pictórico del pintor colombiano Fernando Botero fue
adoptado por éste tras inspirarse en unos dibujos de Cuevas que vio en
NY. Foto: Archivo/Excélsior
Conforme voy avanzando en mi indagación en torno a la obra de Botero y Cuevas encuentro más cosas sorprendentes,como estas!.

Y
es que como dice "Don Toño",Todo viene del dinero y toda va al
dinero;Desde 400 a 450.000 dólares, arte latinoamericano para todos los
bolsillos.

En
mi opinión como negocio deja mucho que desear,es mejor el Futbol,el
Real Madrid,pagó 98.000.000 de euros por Cristiano Ronaldo,esto nos da
una idea.

La obesidad, un problema de salud pública en México

De
los 32 millones de adultos con sobrepeso en México, cinco millones
están en riesgo de convertirse en pacientes diabéticos en los próximos
cinco años, según la Organización Mundial de la Salud
Pero a Botero solo le da un gran placer.

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Mi Respuesta al Artículo "Entre Cuevas y Bot ero"

2009-07-12T04:16:56+00:00

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Julio 11, 2009

Alberto Thirion;Artista de la América Profunda.

Archivado en: Uncategorized — Etiquetas:Arte de América — Alberto Thirion @ 6:22 am Editar

Cuevas y Botero;Márchamo de la América Latina

Acabo de Leer que Cuevas y Botero son el Márchamo de América Latina y
Que sus obras son paralelas,solo esto quedo en mi memoria lo demás es
paja y desvaríos lo dice por ahí, un periodista , que no ve muy
profundamente o no sabe gran cosa de arte,creo que esta en lo cierto
solo en una cosa; en que las obras son muy semejantes,ya que ambos
pintan moustros y enfermos,solo que Botero dice que para el su pintura
es un gran placer que le da un gran placer,que eso es la gran
pintura,¡UN GRAN PLACER!por que ,el supone que lo que el hace es “gran
pintura”,y sugiera que es muy diferente de la obra de Cuevas,solo
suguiere medrosamente por que no lo dice abiertamente?¿Botero le tiene
miedo a Cuevas ?

La obesidad es una enfermedad muy grave,de ella se deriban todas las
enfermedades terminadas en”itis”,el médico mas tonto lo sabe,y es un
gran problema público,pero esto el Colombiano parece no saberlo…a el
solo le da un gran placer pintar gordos,esto de que la pintura es un
gran placer lo dice Botero varias veces en el libro;CRISTINA PACHECO:
LA LUZ DE MÉXICO-ENTREVISTAS CON PINTORES Y FOTÓGRAFOS MEXICANOS

En cuanto a su “estilo”,pintar gordos es un recurso muy corriente,es
como dejarse el pelo largo o la Barba para tener “personalidad”,para
ser reconocido para ser notado mediante este gastado truco.

Cuevitas a pesar de su infantilismo crónico,parece estar más
conciente de que dibuja monstritos,el solo tubo la “genial” idea de
dibujar al revés (mientras todos nos empeñamos en hacerlo bien)para
hacerse notable, destacarse y así hacerse un nombre,en algunos
migitorios y escusados de cantinas hay muchos dibujos muy semejantes a
los de Cuevas,incluso mejores.Cuevas menos inconciente creo que se
ubica entre los artistas llamados de protesta por los señores
historiadores de arte.

A mí me parece menos malo Cuevas,pero desde luego ninguno me gusta
para ser el sello de América,el Márchamo que nos da identidad y nombre
por que eso es el arte verdad?el Márchamo de un gupo social o de un
país en este caso hablamos de un Continente lo cual no es poca cosa.

Así es que el mejor soy Yo.y no tengo ni museo,pero no se los estoy pidiendo,queden se con su ceguera y su ignorancia junto con sus 2 grandes genios.

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Julio 27, 2008

Hello world!

Archivado en: Uncategorized — Alberto Thirion @ 8:05 am Editar

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Comentarios (1)

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Thirion Art Posters Stores; $39.90

2008-07-14T22:28:07+00:00

Nicola Scarpitta / Alberto Thirion

2008-05-23T11:47:44+00:00

De la Autobiografía de Alberto Thirion

2008-05-24T01:43:30+00:00

Soy el más caro por que yo no pinto para vender;esto puede parecer una contradición para el que no entiende de arte, el conocedor sin duda alguna entenderá,el arte vale por el impulso que lo produce y la enfermedad de hoy entre los artistas se llama "vender",el mercado del arte contemporáneo y sus valores esta totalmente manipulado. Se sabe y se dice,que el arte es el espíritu.Yo soy un profundo admirador de Pollock,creo que su obra de título;"Núnero Cinco″es considerada por muchos como la obra de arte más cara del mundo ($140.000.000 USD)es una gran obra. Pienso que nadie, nunca jamás! captó el espíritu EstadoUnidense como él,sin duda es un gran dibujante, y en esta obra genial nos da el mejor testimonio de su genio.
En cuanto a mi persona y mi arte:
Soy el más caro,para darle realidad a mis sueños y lo confieso francamente.
Mis dealers y galeros subieron el precio de algunas de mis obras hasta las nuves,en una "estrategia de ventas",hoy el arte es una industria ,(todos los que ya le entramos al toro lo sabemos bien,lo digo para los muy jóvenes, que están llenos de ilusiones)funciona como una fabrica de jabones se toma a los artistas y se les fabrica como jabones...luego se les lanza al mercado,se les dice tú pintas esto y lo otro,y le quitas aquí y le pones allá,yo salí de pleito con mis dealers por que no querían que pintara cruces,así es que decidí seguirme siendo fiel a mismo,y no vivir del arte. Mi pintura y mi dibujo, es el vehículo real de mi auténtica personalidad es mi acento;mi espíritu,mi quinta esencia,es una decantación de mi personalidad,sin duda alguna,"por esto yo digo que;"El Arte es la Piel del Alma".
Los Profesionales aconsejan una presentación de la trayectoria artística o de la carrera, cosas pintorescas que interesen al gran público y no una lista interminable de exposiciones en ciudades digamos "dificíles de ubicar"ya sabemos todos, que todos los artistas tienen mucho éxito, y no inventan sus exposiciones ni cuentan mentiras para impresionar a la gente y ganar prestigio,esos viejos trucos ya no impresionan a nadie.

A mi juicio Diego Rivera,dijo muchas tonterias y dijo muchas cosas ciertas y profundas,como esta;"Solo llegan a ser verdaderamente universales aquellos artistas que de tan nacionales,de tan oriundos de un lugar,llegan a ser parte integrante,plantas nativas del suelo que las produjo.Tan solo entonces,desde un lugar de la tierra,profundamente identificados con ella,la dominan y la poseen toda entera,entonces si en su redondez universal". Yo,SOY NACIDO Y CRIADO EN DURANGO ,ESTE ESTADO ESTA SITUADO AL NORTE DE LA REPUBLICA MEXICANA.¨¨yo en mi cuna,encontré la hoja de ruta para toda mi vida¨¨decia,Goya.hoy vienen a mi mente sus palabras,cargadas(obviamente)de un profundo significado.yo pertenezco a una familia de terratenientes,dueños de grandes bosques desde hace muchos años,asi pues de la naturaleza me nutrí,considero a la madre naturaleza mi maestra,definitivamente.el "don" del dibujo, en mi es nato,(es decir la facultad de ver más profundamente)por esto siempre lo respeto,por ser en mi natural,(a las academias de arte nunca fuí a tomar clase, sino a platicar... con los compañeros)asi es, que hice de esta virtud,para mi grande virtud(para otros seguramente sera pequeña)mi profesion mas intima y mas querida,pues debo decir que me dedico también a la lapidación de piedras preciosas, andando por los montes me las encontre´,y me gusto´esto de los minerales. y la Gemología, la cual es una rama de la Mineralogía,pero volviendo al arte y a mi vocación,el dibujo para mi es muy importante,por que?pues por que el arte es el espíritu´,el espíritu´,de si mismo y el espíritu´( estoy como Dalí,no me refiero a mi gusto por la publicidad sino a la ortografía , pues sabido es que la de él era mucho peor que la mia)pero bueno ,decia que,) o la esencia de las cosas,así pues, el dibujo es una forma de conocimiento de si mismo y de nuestro entorno, siendo asi la confesión mas profunda e íntima y un medio de comunión con todos los hombres, y con todas las mujeres por supuesto...por el dibujo me conocí a mi mismo,y esto no es poca cosa,por el dibujo tuvo conocimiento de la vida y de las cosas. Mi pintura desde 1974 se vende bien,ese año estuve por primera vez en una galeria de cierto prestigio(en el mundo del arte mexicano)ahi estuve como artista exclusivo hasta que desapareció, era propiedad de una familia de periodistas muy importantes de la Cd. de México,la galeria se llamaba ¨¨LAI¨¨.luego estuve en otras,ahora estoy en;"LA GALERIA MAREN"y,en "LA GALERIA CORDOURIER"que también son importantes, en la Cd.De México.ahora,vendo por Internet, mi email es;albertothirion@hotmail.com/ahora bién yo,pienso que...usted llegó hasta aqui por que esta buscando...buscando algo;Ruskin lo dijo bién;la misión del arte es; "Embellecer el alma del pueblo",eso es lo que yo vendo, medicina para el alma...lo se por que asi me lo dijeron,mis compañeros artistas y mi tío "Palle",que era farmacéutico en Tijuana y San Diego,Ca.asi fué como me descubrieron a mi mismo.
-----------------------------------------------------
(Estas lineas se publicaron en una Revista que cayó en mis manos en días pasados)
Dos Méxicanos;Jose Luis Cuevas y Alberto Thirion,dos visiones opuestas de la realidad Mexicana;del acento de México;del márchamo de un país,de una cultura,del sello de la patria...del arte del país.
¿ quien tiene razón cúal visón es más profunda?
¿Cuál arte define y defiende a México?
Dicho sea esto al margen de que cada uno de ellos sea o no fiel a si mismo,a su cuna y a su visón.
¿ Qué no es el arte,el sello y firma de la patria ?
Ahora este asunto sobre Cuevas se publicó en Google. Y pues sí, digo yo, en este momento José Luis, es el pintor mas popular o famoso de México y el representante de la pintura mexicana en el mundo ¿esto lo hace el abanderado de la pintura mexicana ante el mundo? si definitivamente, pero.... ¡EL UNICO MOUSTRO ES EL!,mejor dicho "El Monstruo y el Monumento"como se titula si mal no recuerdo su último libro.
Ya que como sabemos,toda obra de arte es en última instancia un autorretrato.
El periodismo cibernético y el publico en general,insisten en asociar mi obra a la de Jose Luis Cuevas...¿ será por que me llaman; "El asesino del diablo"?
Lo cierto es que casos y cosas así como;lo que se a dado en llamar, "Las Muertas de Juárez"o el caso del pederasta,Jean Succar Kuri;ponen de manifiesto la vigencia indudablemente de la obra de José Luis.
Pero sobre todo la necesidad de matar al Diablo de una vez por todas y desde este punto de vista mi obra no seria opuesta sino en caso dada complementaria de la obra del famoso José Luis Cuevas.
Para terminar quisiera citar unas palabras de mi tocayo.Albert Einstein
" La vida es peligrosa,no por los hombres que hacen el mal,sino por los que se sientan a ver lo que pasa"
Lo que da valor al arte es el impulso que lo produce,ya que este es el contenido de la obra, si vemos el arte en su sentido social no es sino un alimento espiritual para el pueblo, así vemos que hay arte que nutre,arte estéril y arte tóxico que envenena y mata a los pueblos,desde luego el mercado del arte conciente de su papel solo nos da lo mejor, por eso la nuestra es una sociedad sana y esto todos lo podemos ver claramente,verdad?
------------------------------------------------------Dado que la miseria en el mundo es grande y los pobres de la tierra son muchos ( yo no soy rico,pero Dios me permitió estudiar Gemología,que es, lo digo para los que no lo sepan, el estudio de las piedras preciosas,así mismo Él, me permitió encontrarlas en grandes cantidades)bueno el caso es que estamos donando para su venta grandes lotes de gemas muy raras y por lo mismo muy caras a instituciones internacionales de sólido prestigio,al vender los lotes cedemos el 75% a la institución altruista.
Esto lo comento aquí,por que así lo estoy haciendo en todos mis sitios web,ya que deseo que esto se difunda y llege la ayuda a toda esa gente que tanto lo necesita,yo como arista a carta cabal que soy, no necesito, a Dios gracias! de lujos y vanidaes,las pidras preciosas me interesan más por su belleza que por su valor,por lo demás disfruto veraderamente de las montañas del buscarlas y del encontrarlas.
------------------------------------------------------
Quizá La sentencia de Buffon "El estilo es el hombre",podria extenderse a "El Mensaje es el Estilo".Como quiera que sea,Mi estilo es Romántico o Cristiano, y no Surrealista como se a venido diciendo.Esto lo digo por que es importante ubicarse.
Desde hace mucho tiempo en "Artmajeur" un conocida galeria en linea,soy el artista más popular de México en el mundo,lo digo por que me da mucho gusto,estar imponiendo en el gusto del publico la muerte del Diablo.
Esto no fué fácil,al principio,hace 20 años, cuando comencé con esta serie de fuerte contenido,me corrieron de las galerias.
Luego ya que pudieron digerir la obra,fueron a buscarme, pidiendome disculpas diciendo"No te vallas,no nos dejes,aquí estamos los mejores",algunos de estos compañeros artistas eran espiritualistas o espiritistas,no sé cual es el termino correcto.

*Dado que coincido plenamente con el concepto de arte de;Juan Pablo II,pongo aquí su carta,seguramente el dice las cosas mejor que yo,aquí y ahora su voz es mi voz,por que todos los homres somos uno en Cristo.

CARTA DEL SANTO PADRE JUAN PABLO II
A LOS ARTISTAS

CIUDAD DEL VATICANO, 1999

A los que con apasionada entrega
buscan nuevas «epifanías» de la belleza
para ofrecerlas al mundo
a través de la creación artística.
«Dios vio cuanto había hecho, y todo estaba muy bien» (Gn 1, 31)
El artista, imagen de Dios Creador

ÍNDICE

1. El artista, imagen de Dios Creador

2. La especial vocación del artista

3. La vocación artística al servicio de la belleza

4. El artista y el bien común

5. El arte ante el misterio del Verbo encarnado

6. Alianza fecunda entre Evangelio y arte

7. Los principios

8. La Edad Media

9. Humanismo y Renacimiento

10. Hacia un diálogo renovado

11. En el espíritu del Concilio Vaticano II

12. La Iglesia tiene necesidad del arte

13. El arte, ¿tiene necesidad de la Iglesia?

14. Llamada a los artistas

15. Espíritu creador e inspiración artística

16. La «Belleza» que salva

El artista, imagen de Dios Creador

1. Nadie mejor que vosotros, artistas, genia les constructores de belleza, puede intuir algo del pathos con el que Dios, en el alba de la creación, contempló la obra de sus manos. Un eco de aquel sentimiento se ha reflejado infinitas veces en la mirada con que vosotros, al igual que los artistas de todos los tiempos, atraídos por el asombro del ancestral poder de los sonidos y de las palabras, de los colores y de las formas, habéis admirado la obra de vuestra inspiración, descubriendo en ella como la resonancia de aquel misterio de la creación a la que Dios, único creador de todas las cosas, ha querido en cierto modo asociaros.

Por esto me ha parecido que no hay palabras más apropiadas que las del Génesis para comenzar esta Carta dirigida a vosotros, a quienes me siento unido por experiencias que se remontan muy atrás en el tiempo y han marcado de modo indeleble mi vida. Con este texto quiero situarme en el camino del fecundo diálogo de la Iglesia con los artistas que en dos mil años de historia no se ha interrumpido nunca, y que se presenta también rico de perspectivas de futuro en el umbral del tercer milenio.

En realidad, se trata de un diálogo no solamente motivado por circunstancias históricas o por razones funcionales, sino basado en la esencia misma tanto de la experiencia religiosa como de la creación artística. La página inicial de la Biblia nos presenta a Dios casi como el modelo ejemplar de cada persona que produce una obra: en el hombre artífice se refleja su imagen de Creador. Esta relación se pone en evidencia en la lengua polaca, gracias al parecido en el léxico entre las palabras stwóeca (creador) y twórcam (artífice).

¿Cuál es la diferencia entre «creador» y «artífice»? El que crea da el ser mismo, saca alguna cosa de la nada —ex nihilo sui et subiecti, se dice en latín— y esto, en sentido estricto, es el modo de proceder exclusivo del Omnipotente. El artífice, por el contrario, utiliza algo ya existente, dándole forma y significado. Este modo de actuar es propio del hombre en cuanto imagen de Dios. En efecto, después de haber dicho que Dios creó el hombre y la mujer «a imagen suya» (cf. Gn 1, 27), la Biblia añade que les confió la tarea de dominar la tierra (cf. Gn 1, 28). Fue en el último día de la creación (cf. Gn 1, 28-31). En los días precedentes, como marcando el ritmo de la evolución cósmica, el Señor había creado el universo. Al final creó al hombre, el fruto más noble de su proyecto, al cual sometió el mundo visible como un inmenso campo donde expresar su capacidad creadora.

Así pues, Dios ha llamado al hombre a la existencia, transmitiéndole la tarea de ser artífice. En la «creación artística» el hombre se revela más que nunca «imagen de Dios» y lleva a cabo esta tarea ante todo plasmando la estupenda « materia » de la propia humanidad y, después, ejerciendo un dominio creativo sobre el universo que le rodea. El Artista divino, con admirable condescendencia, trasmite al artista humano un destello de su sabiduría trascendente, llamándolo a compartir su potencia creadora. Obviamente, es una participación que deja intacta la distancia infinita entre el Creador y la criatura, como señalaba el Cardenal Nicolás de Cusa: «El arte creador, que el alma tiene la suerte de alojar, no se identifica con aquel arte por esencia que es Dios, sino que es solamente una comunicación y una participación del mismo».1

Por esto el artista, cuanto más consciente es de su «don», tanto más se siente movido a mirar hacia sí mismo y hacia toda la creación con ojos capaces de contemplar y de agradecer, elevando a Dios su himno de alabanza. Sólo así puede comprenderse a fondo a sí mismo, su propia vocación y misión.

La especial vocación del artista

2. No todos están llamados a ser artistas en el sentido específico de la palabra. Sin embargo, según la expresión del Génesis, a cada hombre se le confía la tarea de ser artífice de la propia vida; en cierto modo, debe hacer de ella una obra de arte, una obra maestra.

Es importante entender la distinción, pero también la conexión, entre estas dos facetas de la actividad humana. La distinción es evidente. En efecto, una cosa es la disposición por la cual el ser humano es autor de sus propios actos y responsable de su valor moral, y otra la disposición por la cual es artista y sabe actuar según las exigencias del arte, acogiendo con fidelidad sus dictámenes específicos.2 Por eso el artista es capaz de producir objetos, pero esto, de por sí, nada dice aún de sus disposiciones morales. En efecto, en este caso, no se trata de realizarse uno mismo, de formar la propia personalidad, sino solamente de poner en acto las capacidades operativas, dando forma estética a las ideas concebidas en la mente.

Pero si la distinción es fundamental, no lo es menos la conexión entre estas dos disposiciones, la moral y la artística. Éstas se condicionan profundamente de modo recíproco. En efecto, al modelar una obra el artista se expresa a sí mismo hasta el punto de que su producción es un reflejo singular de su mismo ser, de lo que él es y de cómo es. Esto se confirma en la historia de la humanidad, pues el artista, cuando realiza una obra maestra, no sólo da vida a su obra, sino que por medio de ella, en cierto modo, descubre también su propia personalidad. En el arte encuentra una dimensión nueva y un canal extraordinario de expresión para su crecimiento espiritual. Por medio de las obras realizadas, el artista habla y se comunica con los otros. La historia del arte, por ello, no es sólo historia de las obras, sino también de los hombres. Las obras de arte hablan de sus autores, introducen en el conocimiento de su intimidad y revelan la original contribución que ofrecen a la historia de la cultura.

La vocación artística al servicio de la belleza

3. Escribe un conocido poeta polaco, Cyprian Norwid: «La belleza sirve para entusiasmar en el trabajo, el trabajo para resurgir».3

El tema de la belleza es propio de una reflexión sobre el arte. Ya se ha visto cuando he recordado la mirada complacida de Dios ante la creación. Al notar que lo que había creado era bueno, Dios vio también que era bello.4 La relación entre bueno y bello suscita sugestivas reflexiones. La belleza es en un cierto sentido la expresión visible del bien, así como el bien es la condición metafísica de la belleza. Lo habían comprendido acertadamente los griegos que, uniendo los dos conceptos, acuñaron una palabra que comprende a ambos: «kalokagathia», es decir «belleza-bondad». A este respecto escribe Platón: «La potencia del Bien se ha refugiado en la naturaleza de lo Bello».5

El modo en que el hombre establece la propia relación con el ser, con la verdad y con el bien, es viviendo y trabajando. El artista vive una relación peculiar con la belleza. En un sentido muy real puede decirse que la belleza es la vocación a la que el Creador le llama con el don del «talento artístico». Y, ciertamente, también éste es un talento que hay que desarrollar según la lógica de la parábola evangélica de los talentos (cf. Mt 25, 14-30).

Entramos aquí en un punto esencial. Quien percibe en sí mismo esta especie de destello divino que es la vocación artística —de poeta, escritor, pintor, escultor, arquitecto, músico, actor, etc.— advierte al mismo tiempo la obligación de no malgastar ese talento, sino de desarrollarlo para ponerlo al servicio del prójimo y de toda la humanidad.

El artista y el bien común

4. La sociedad, en efecto, tiene necesidad de artistas, del mismo modo que tiene necesidad de científicos, técnicos, trabajadores, profesionales, así como de testigos de la fe, maestros, padres y madres, que garanticen el crecimiento de la persona y el desarrollo de la comunidad por medio de ese arte eminente que es el « arte de educar ». En el amplio panorama cultural de cada nación, los artistas tienen su propio lugar. Precisamente porque obedecen a su inspiración en la realización de obras verdaderamente válidas y bellas, non sólo enriquecen el patrimonio cultural de cada nación y de toda la humanidad, sino que prestan un servicio social cualificado en beneficio del bien común.

La diferente vocación de cada artista, a la vez que determina el ámbito de su servicio, indica las tareas que debe asumir, el duro trabajo al que debe someterse y la responsabilidad que debe afrontar. Un artista consciente de todo ello sabe también que ha de trabajar sin dejarse llevar por la búsqueda de la gloria banal o la avidez de una fácil popularidad, y menos aún por la ambición de posibles ganancias personales. Existe, pues, una ética, o más bien una «espiritualidad» del servicio artístico que de un modo propio contribuye a la vida y al renacimiento de un pueblo. Precisamente a esto parece querer aludir Cyprian Norwid cuando afirma: «La belleza sirve para entusiasmar en el trabajo, el trabajo para resurgir».

El arte ante el misterio del Verbo encarnado

5. La ley del Antiguo Testamento presenta una prohibición explícita de representar a Dios invisible e inexpresable con la ayuda de una «imagen esculpida o de metal fundido» (Dt 27, 25), porque Dios transciende toda representación material: «Yo soy el que soy» (Ex 3, 14). Sin embargo, en el misterio de la Encarnación el Hijo de Dios en persona se ha hecho visible: «Al llegar la plenitud de los tiempos, Dios envió a su Hijo, nacido de mujer» (Ga 4, 4). Dios se hizo hombre en Jesucristo, el cual ha pasado a ser así «el punto de referencia para comprender el enigma de la existencia humana, del mundo creado y de Dios mismo».6

Esta manifestación fundamental del «Dios-Misterio» aparece como animación y desafío para los cristianos, incluso en el plano de la creación artística. De ello se deriva un desarrollo de la belleza que ha encontrado su savia precisamente en el misterio de la Encarnación. En efecto, el Hijo de Dios, al hacerse hombre, ha introducido en la historia de la humanidad toda la riqueza evangélica de la verdad y del bien, y con ella ha manifestado también una nueva dimensión de la belleza, de la cual el mensaje evangélico está repleto.

La Sagrada Escritura se ha convertido así en una especie de «inmenso vocabulario» (P. Claudel) y de «Atlas iconográfico» (M. Chagall) del que se han nutrido la cultura y el arte cristianos. El mismo Antiguo Testamento, interpretado a la luz del Nuevo, ha dado lugar a inagotables filones de inspiración. A partir de las narraciones de la creación, del pecado, del diluvio, del ciclo de los Patriarcas, de los acontecimientos del éxodo, hasta tantos otros episodios y personajes de la historia de la salvación, el texto bíblico ha inspirado la imaginación de pintores, poetas, músicos, autores de teatro y de cine. Una figura como la de Job, por citar sólo un ejemplo, con su desgarradora y siempre actual problemática del dolor, continúa suscitando el interés filosófico, literario y artístico. Y ¿qué decir del Nuevo Testamento? Desde la Navidad al Gólgota, desde la Transfiguración a la Resurrección, desde los milagros a las enseñanzas de Cristo, llegando hasta los acontecimientos narrados en los Hechos de los Apóstoles o los descritos por el Apocalipsis en clave escatológica, la palabra bíblica se ha hecho innumerables veces imagen, música o poesía, evocando con el lenguaje del arte el misterio del «Verbo hecho carne».

Todo ello constituye un vasto capítulo de fe y belleza en la historia de la cultura, del que se han beneficiado especialmente los creyentes en su experiencia de oración y de vida. Para muchos de ellos, en épocas de escasa alfabetización, las expresiones figurativas de la Biblia representaron incluso una concreta mediación catequética.7 Pero para todos, creyentes o no, las obras inspiradas en la Escritura son un reflejo del misterio insondable que rodea y está presente en el mundo.

Alianza fecunda entre Evangelio y arte

6. La auténtica intuición artística va más allá de lo que perciben los sentidos y, penetrando la realidad, intenta interpretar su misterio escondido. Dicha intuición brota de lo más íntimo del alma humana, allí donde la aspiración a dar sentido a la propia vida se ve acompañada por la percepción fugaz de la belleza y de la unidad misteriosa de las cosas. Todos los artistas tienen en común la experiencia de la distancia insondable que existe entre la obra de sus manos, por lograda que sea, y la perfección fulgurante de la belleza percibida en el fervor del momento creativo: lo que logran expresar en lo que pintan, esculpen o crean es sólo un tenue reflejo del esplendor que durante unos instantes ha brillado ante los ojos de su espíritu.

El creyente no se maravilla de esto: sabe que por un momento se ha asomado al abismo de luz que tiene su fuente originaria en Dios. ¿Acaso debe sorprenderse de que el espíritu quede como abrumado hasta el punto de no poder expresarse sino con balbuceos? El verdadero artista está dispuesto a reconocer su limitación y hacer suyas las palabras del apóstol Pablo, según el cual «Dios no habita en santuarios fabricados por manos humanas», de modo que «no debemos pensar que la divinidad sea algo semejante al oro, la plata o la piedra, modelados por el arte y el ingenio humano» (Hch 17, 24.29). Si ya la realidad íntima de las cosas está siempre «más allá» de las capacidades de penetración humana, ¡cuánto más Dios en la profundidad de su insondable misterio!

El conocimiento de la fe es de otra naturaleza. Supone un encuentro personal con Dios en Jesucristo. Este conocimiento, sin embargo, puede también enriquecerse a través de la intuición artística. Un modelo elocuente de contemplación estética que se sublima en la fe son, por ejemplo, las obras del Beato Angélico. A este respecto, es muy significativa la lauda extática que San Francisco de Asís repite dos veces en la chartula compuesta después de haber recibido en el monte Verna los estigmas de Cristo: «¡Tú eres belleza... Tú eres belleza!».8 San Buenaventura comenta: «Contemplaba en las cosas bellas al Bellísimo y, siguiendo las huellas impresas en las criaturas, seguía a todas partes al Amado».9

Una sensibilidad semejante se encuentra en la espiritualidad oriental, donde Cristo es calificado como «el Bellísimo, de belleza superior a todos los mortales».10 Macario el Grande comenta del siguiente modo la belleza transfigurante y liberadora del Resucitado: «El alma que ha sido plenamente iluminada por la belleza indecible de la gloria luminosa del rostro de Cristo, está llena del Espíritu Santo... es toda ojo, toda luz, toda rostro».11

Toda forma auténtica de arte es, a su modo, una vía de acceso a la realidad más profunda del hombre y del mundo. Por ello, constituye un acercamiento muy válido al horizonte de la fe, donde la vicisitud humana encuentra su interpretación completa. Este es el motivo por el que la plenitud evangélica de la verdad suscitó desde el principio el interés de los artistas, particularmente sensibles a todas las manifestaciones de la íntima belleza de la realidad.

Los principios

7. El arte que el cristianismo encontró en sus comienzos era el fruto maduro del mundo clásico, manifestaba sus cánones estéticos y, al mismo tiempo, transmitía sus valores. La fe imponía a los cristianos, tanto en el campo de la vida y del pensamiento como en el del arte, un discernimiento que no permitía una recepción automática de este patrimonio. Así, el arte de inspiración cristiana comenzó de forma silenciosa, estrechamente vinculado a la necesidad de los creyentes de buscar signos con los que expresar, basándose en la Escritura, los misterios de la fe y de disponer al mismo tiempo de un «código simbólico», gracias al cual poder reconocerse e identificarse, especialmente en los tiempos difíciles de persecución. ¿Quién no recuerda aquellos símbolos que fueron también los primeros inicios de un arte pictórico o plástico? El pez, los panes o el pastor evocaban el misterio, llegando a ser, casi insensiblemente, los esbozos de un nuevo arte.

Cuando, con el edicto de Constantino, se permitió a los cristianos expresarse con plena libertad, el arte se convirtió en un cauce privilegiado de manifestación de la fe. Comenzaron a aparecer majestuosas basílicas, en las que se asumían los cánones arquitectónicos del antiguo paganismo, plegándolos a su vez a las exigencias del nuevo culto. ¿Cómo no recordar, al menos, las antiguas Basílicas de San Pedro y de San Juan de Letrán, construidas por cuenta del mismo Constantino, o ese esplendor del arte bizantino, la Haghia Sophia de Constantinopla, querida por Justiniano?

Mientras la arquitectura diseñaba el espacio sagrado, la necesidad de contemplar el misterio y de proponerlo de forma inmediata a los sencillos suscitó progresivamente las primeras manifestaciones de la pintura y la escultura. Surgían al mismo tiempo los rudimentos de un arte de la palabra y del sonido. Y, mientras Agustín incluía entre los numerosos temas de su producción un De musica, Hilario, Ambrosio, Prudencio, Efrén el Sirio, Gregorio Nacianceo y Paulino de Nola, por citar sólo algunos nombres, se hacían promotores de una poesía cristiana, que con frecuencia alcanzaba un alto valor no sólo teológico, sino también literario. Su programa poético valoraba las formas heredadas de los clásicos, pero se inspiraba en la savia pura del Evangelio, como sentenciaba con acierto el santo poeta de Nola: «Nuestro único arte es la fe y Cristo nuestro canto».12 Por su parte, Gregorio Magno, con la compilación del Antiphonarium, ponía poco después las bases para el desarrollo orgánico de una música sagrada tan original que de él ha tomado su nombre. Con sus inspiradas modulaciones el Canto gregoriano se convertirá con los siglos en la expresión melódica característica de la fe de la Iglesia en la celebración litúrgica de los sagrados misterios. Lo «bello» se conjugaba así con lo «verdadero», para que también a través de las vías del arte los ánimos fueran llevados de lo sensible a lo eterno.

En este itinerario no faltaron momentos difíciles. Precisamente la antigüedad conoció una áspera controversia sobre la representación del misterio cristiano, que ha pasado a la historia con el nombre de «lucha iconoclasta». Las imágenes sagradas, muy difundidas en la devoción del pueblo de Dios, fueron objeto de una violenta contestación. El Concilio celebrado en Nicea el año 787, que estableció la licitud de las imágenes y de su culto, fue un acontecimiento histórico no sólo para la fe, sino también para la cultura misma. El argumento decisivo que invocaron los Obispos para dirimir la discusión fue el misterio de la Encarnación: si el Hijo de Dios ha entrado en el mundo de las realidades visibles, tendiendo un puente con su humanidad entre lo visible y lo invisible, de forma análoga se puede pensar que una representación del misterio puede ser usada, en la lógica del signo, como evocación sensible del misterio. El icono no se venera por sí mismo, sino que lleva al sujeto representado.13

La Edad Media

8. Los siglos posteriores fueron testigos de un gran desarrollo del arte cristiano. En Oriente continuó floreciendo el arte de los iconos, vinculado a significativos cánones teológicos y estéticos y apoyado en la convicción de que, en cierto sentido, el icono es un sacramento. En efecto, de forma análoga a lo que sucede en los sacramentos, hace presente el misterio de la Encarnación en uno u otro de sus aspectos. Precisamente por esto la belleza del icono puede ser admirada sobre todo dentro de un templo con lámparas que arden, produciendo infinitos reflejos de luz en la penumbra. Escribe al respecto Pavel Florenskij: «El oro, bárbaro, pesado y fútil a la luz difusa del día, se reaviva a la luz temblorosa de una lámpara o de una vela, pues resplandece en miríadas de centellas, haciendo presentir otras luces no terrestres que llenan el espacio celeste».14

En Occidente los puntos de vista de los que parten los artistas son muy diversos, dependiendo en parte de las convicciones de fondo propias del ambiente cultural de su tiempo. El patrimonio artístico que se ha ido formando a lo largo de los siglos cuenta con innumerables obras sagradas de gran inspiración, que provocan una profunda admiración aún en el observador de hoy. Se aprecia, en primer lugar, en las grandes construcciones para el culto, donde la funcionalidad se conjuga siempre con la fantasía, la cual se deja inspirar por el sentido de la belleza y por la intuición del misterio. De aquí nacen los estilos tan conocidos en la historia del arte. La fuerza y la sencillez del románico, expresada en las catedrales o en los monasterios, se va desarrollando gradualmente en la esbeltez y el esplendor del gótico. En estas formas, no se aprecia únicamente el genio de un artista, sino el alma de un pueblo. En el juego de luces y sombras, en las formas a veces robustas y a veces estilizadas, intervienen consideraciones de técnica estructural, pero también las tensiones características de la experiencia de Dios, misterio «tremendo» y «fascinante». ¿Cómo sintetizar en pocas palabras, y para las diversas expresiones del arte, el poder creativo de los largos siglos del medievo cristiano? Una entera cultura, aunque siempre con las limitaciones propias de todo lo humano, se impregnó del Evangelio y, cuando el pensamiento teológico producía la Summa de Santo Tomás, el arte de las iglesias doblegaba la materia a la adoración del misterio, a la vez que un gran poeta como Dante Alighieri podía componer «el poema sacro, en el que han dejado su huella el cielo y la tierra»,15 como él mismo llamaba la Divina Comedia.

Humanismo y Renacimiento

9. El fértil ambiente cultural en el que surge el extraordinario florecimiento artístico del Humanismo y del Renacimiento, tiene repercusiones significativas también en el modo en que los artistas de este período abordan el tema religioso. Naturalmente, al menos en aquéllos más importantes, las inspiraciones son tan variadas como sus estilos. No es mi intención, sin embargo, recordar cosas que vosotros, artistas, sabéis de sobra. Al escribiros desde este Palacio Apostólico, que es también como un tesoro de obras maestras acaso único en el mundo, quisiera más bien hacerme voz de los grandes artistas que prodigaron aquí las riquezas de su ingenio, impregnado con frecuencia de gran hondura espiritual. Desde aquí habla Miguel Ángel, que en la Capilla Sixtina, desde la Creación al Juicio Universal, ha recogido en cierto modo el drama y el misterio del mundo, dando rostro a Dios Padre, a Cristo juez y al hombre en su fatigoso camino desde los orígenes hasta el final de la historia. Desde aquí habla el genio delicado y profundo de Rafael, mostrando en la variedad de sus pinturas, y especialmente en la « Disputa » del Apartamento de la Signatura, el misterio de la revelación del Dios Trinitario, que en la Eucaristía se hace compañía del hombre y proyecta luz sobre las preguntas y las expectativas de la inteligencia humana. Desde aquí, desde la majestuosa Basílica dedicada al Príncipe de los Apóstoles, desde la columnata que arranca de sus puertas como dos brazos abiertos para acoger a la humanidad, siguen hablando aún Bramante, Bernini, Borromini o Maderno, por citar sólo los más grandes, ofreciendo plásticamente el sentido del misterio que hace de la Iglesia una comunidad universal, hospitalaria, madre y compañera de viaje de cada hombre en la búsqueda de Dios.

El arte sagrado ha encontrado en este extraordinario complejo una expresión de excepcional fuerza, alcanzando niveles de imperecedero valor estético y religioso a la vez. Sea bajo el impulso del Humanismo y del Renacimiento, sea por influjo de las sucesivas tendencias de la cultura y de la ciencia, su característica más destacada es el creciente interés por el hombre, el mundo y la realidad de la historia. Este interés, por sí mismo, en modo alguno supone un peligro para la fe cristiana, centrada en el misterio de la Encarnación y, por consiguiente, en la valoración del hombre por parte de Dios. Lo demuestran precisamente los grandes artistas apenas mencionados. Baste pensar en el modo en que Miguel Ángel expresa, en sus pinturas y esculturas, la belleza del cuerpo humano.16

Por lo demás, en el nuevo ambiente de los últimos siglos, donde parece que parte de la sociedad se ha hecho indiferente a la fe, tampoco el arte religioso ha interrumpido su camino. La constatación se amplía si, de las artes figurativas, pasamos a considerar el gran desarrollo que también en este período de tiempo ha tenido la música sagrada, compuesta para las celebraciones litúrgicas o vinculada al menos a temas religiosos. Además de tantos artistas que se han dedicado preferentemente a ella —cómo no recordar a Pier Luigi da Palestrina, a Orlando di Lasso y Tomás Luis de Victoria—, es bien sabido que muchos grandes compositores —desde Händel a Bach, desde Mozart a Schubert, desde Beethoven a Berlioz, desde Liszt a Verdi— nos han dejado asimismo obras de gran inspiración en este campo.

Hacia un diálogo renovado

10. Es cierto, sin embargo, que en la edad moderna, junto a este humanismo cristiano que ha seguido produciendo significativas obras de cultura y arte, se ha ido también afirmando progresivamente una forma de humanismo caracterizado por la ausencia de Dios y con frecuencia por la oposición a Él. Este clima ha llevado a veces a una cierta separación entre el mundo del arte y el de la fe, al menos en el sentido de un menor interés en muchos artistas por los temas religiosos.

Vosotros sabéis que, a pesar de ello, la Iglesia ha seguido alimentando un gran aprecio por el valor del arte como tal. En efecto, el arte, incluso más allá de sus expresiones más típicamente religiosas, cuando es auténtico, tiene una íntima afinidad con el mundo de la fe, de modo que, hasta en las condiciones de mayor desapego de la cultura respecto a la Iglesia, precisamente el arte continúa siendo una especie de puente tendido hacia la experiencia religiosa. En cuanto búsqueda de la belleza, fruto de una imaginación que va más allá de lo cotidiano, es por su naturaleza una especie de llamada al Misterio. Incluso cuando escudriña las profundidades más oscuras del alma o los aspectos más desconcertantes del mal, el artista se hace de algún modo voz de la expectativa universal de redención.

Se comprende así el especial interés de la Iglesia por el diálogo con el arte y su deseo de que en nuestro tiempo se realice una nueva alianza con los artistas, como auspiciaba mi venerado predecesor Pablo VI en su vibrante discurso dirigido a los artistas durante el singular encuentro en la Capilla Sixtina el 7 de mayo de 1964.17 La Iglesia espera que de esta colaboración surja una renovada «epifanía» de belleza para nuestro tiempo, así como respuestas adecuadas a las exigencias propias de la comunidad cristiana.

En el espíritu del Concilio Vaticano II

11. El Concilio Vaticano II ha puesto las bases de una renovada relación entre la Iglesia y la cultura, que tiene inmediatas repercusiones también en el mundo del arte. Es una relación que se presenta bajo el signo de la amistad, de la apertura y del diálogo. En la Constitución pastoral Gaudium et Spes, los Padres conciliares subrayaron la «gran importancia» de la literatura y las artes en la vida del hombre: «También la literatura y el arte tienen gran importancia para la vida de la Iglesia, ya que pretenden estudiar la índole propia del hombre, sus problemas y su experiencia en el esfuerzo por conocerse mejor y perfeccionarse a sí mismo y al mundo; se afanan por descubrir su situación en la historia y en el universo, por iluminar las miserias y los gozos, las necesidades y las capacidades de los hombres, y por diseñar un mejor destino para el hombre».18

Sobre esta base, al concluir el Concilio, los Padres dirigieron un saludo y una llamada a los artistas: «Este mundo en que vivimos —decían— tiene necesidad de la belleza para no caer en la desesperanza. La belleza, como la verdad, pone alegría en el corazón de los hombres; es el fruto precioso que resiste a la usura del tiempo, que une a las generaciones y las hace comunicarse en la admiración».19 Precisamente en este espíritu de estima profunda por la belleza, la Constitución Sacrosanctum Concilium sobre la Sagrada Liturgia había recordado la histórica amistad de la Iglesia con el arte y, hablando más específicamente del arte sacro, « cumbre » del arte religioso, no dudó en considerar « noble ministerio » a la actividad de los artistas cuando sus obras son capaces de reflejar de algún modo la infinita belleza de Dios y de dirigir el pensamiento de los hombres hacia Él.20 También por su aportación «se manifiesta mejor el conocimiento de Dios» y «la predicación evangélica se hace más transparente a la inteligencia humana».21 A la luz de esto, no debe sorprender la afirmación del P. Marie Dominique Chenu, según la cual el historiador de la teología haría un trabajo incompleto si no reservara la debida atención a las realizaciones artísticas, tanto literarias como plásticas, que a su manera no son «solamente ilustraciones estéticas, sino verdaderos "lugares" teológicos».22

La Iglesia tiene necesidad del arte

12. Para transmitir el mensaje que Cristo le ha confiado, la Iglesia tiene necesidad del arte. En efecto, debe hacer perceptible, más aún, fascinante en lo posible, el mundo del espíritu, de lo invisible, de Dios. Debe por tanto acuñar en fórmulas significativas lo que en sí mismo es inefable. Ahora bien, el arte posee esa capacidad peculiar de reflejar uno u otro aspecto del mensaje, traduciéndolo en colores, formas o sonidos que ayudan a la intuición de quien contempla o escucha. Todo esto, sin privar al mensaje mismo de su valor trascendente y de su halo de misterio.

La Iglesia necesita, en particular, de aquellos que sepan realizar todo esto en el ámbito literario y figurativo, sirviéndose de las infinitas posibilidades de las imágenes y de sus connotaciones simbólicas. Cristo mismo ha utilizado abundantemente las imágenes en su predicación, en plena coherencia con la decisión de ser Él mismo, en la Encarnación, icono del Dios invisible.

La Iglesia necesita también de los músicos. ¡Cuántas piezas sacras han compuesto a lo largo de los siglos personas profundamente imbuidas del sentido del misterio! Innumerables creyentes han alimentado su fe con las melodías surgidas del corazón de otros creyentes, que han pasado a formar parte de la liturgia o que, al menos, son de gran ayuda para el decoro de su celebración. En el canto, la fe se experimenta como exuberancia de alegría, de amor, de confiada espera en la intervención salvífica de Dios.

La Iglesia tiene necesidad de arquitectos, porque requiere lugares para reunir al pueblo cristiano y celebrar los misterios de la salvación. Tras las terribles destrucciones de la última guerra mundial y la expansión de las metrópolis, muchos arquitectos de la nueva generación se han fraguado teniendo en cuenta las exigencias del culto cristiano, confirmando así la capacidad de inspiración que el tema religioso posee, incluso por lo que se refiere a los criterios arquitectónicos de nuestro tiempo. En efecto, no pocas veces se han construido templos que son, a la vez, lugares de oración y auténticas obras de arte.

El arte, ¿tiene necesidad de la Iglesia?

13. La Iglesia, pues, tiene necesidad del arte. Pero, )se puede decir también que el arte necesita a la Iglesia? La pregunta puede parecer provocadora. En realidad, si se entiende de manera apropiada, tiene una motivación legítima y profunda. El artista busca siempre el sentido recóndito de las cosas y su ansia es conseguir expresar el mundo de lo inefable. ¿Cómo ignorar, pues, la gran inspiración que le puede venir de esa especie de patria del alma que es la religión? ¿No es acaso en el ámbito religioso donde se plantean las más importantes preguntas personales y se buscan las respuestas existenciales definitivas?

De hecho, los temas religiosos son de los más tratados por los artistas de todas las épocas. La Iglesia ha recurrido a su capacidad creativa para interpretar el mensaje evangélico y su aplicación concreta en la vida de la comunidad cristiana. Esta colaboración ha dado lugar a un mutuo enriquecimiento espiritual. En definitiva, ha salido beneficiada la comprensión del hombre, de su imagen auténtica, de su verdad. Se ha puesto de relieve también una peculiar relación entre el arte y la revelación cristiana. Esto no quiere decir que el genio humano no haya sido incentivado también por otros contextos religiosos. Baste recordar el arte antiguo, especialmente griego y romano, o el todavía floreciente de las antiquísimas civilizaciones del Oriente. Sin embargo, sigue siendo verdad que el cristianismo, en virtud del dogma central de la Encarnación del Verbo de Dios, ofrece al artista un horizonte particularmente rico de motivos de inspiración. ¡Cómo se empobrecería el arte si se abandonara el filón inagotable del Evangelio!

Llamada a los artistas

14. Con esta Carta me dirijo a vosotros, artistas del mundo entero, para confirmaros mi estima y para contribuir a reanudar

una más provechosa cooperación entre el arte y la Iglesia. La mía es una invitación a redescubrir la profundidad de la dimensión espiritual y religiosa que ha caracterizado el arte en todos los tiempos, en sus más nobles formas expresivas. En este sentido os dirijo una llamada a vosotros, artistas de la palabra escrita y oral, del teatro y de la música, de las artes plásticas y de las más modernas tecnologías de la comunicación. Hago una llamada especial a los artistas cristianos. Quiero recordar a cada uno de vosotros que la alianza establecida desde siempre entre el Evangelio y el arte, más allá de las exigencias funcionales, implica la invitación a adentrarse con intuición creativa en el misterio del Dios encarnado y, al mismo tiempo, en el misterio del hombre.

Todo ser humano es, en cierto sentido, un desconocido para sí mismo. Jesucristo no solamente revela a Dios, sino que «manifiesta plenamente el hombre al propio hombre».23 En Cristo, Dios ha reconciliado consigo al mundo. Todos los creyentes están llamados a dar testimonio de ello; pero os toca a vosotros, hombres y mujeres que habéis dedicado vuestra vida al arte, decir con la riqueza de vuestra genialidad que en Cristo el mundo ha sido redimido: redimido el hombre, redimido el cuerpo humano, redimida la creación entera, de la cual san Pablo ha escrito que espera ansiosa «la revelación de los hijos de Dios» (Rm 8, 19). Espera la revelación de los hijos de Dios también mediante el arte y en el arte. Ésta es vuestra misión. En contacto con las obras de arte, la humanidad de todos los tiempos —también la de hoy— espera ser iluminada sobre el propio rumbo y el propio destino.

Espíritu creador e inspiración artística

15. En la Iglesia resuena con frecuencia la invocación al Espíritu Santo: Veni, Creator Spiritus... – «Ven, Espíritu creador, visita las almas de tus fieles y llena de la divina gracia los corazones que Tú mismo creaste».24

El Espíritu Santo, «el soplo» (ruah), es.

Aquél al que se refiere el libro del Génesis: «La tierra era caos y confusión y oscuridad por encima del abismo, y un viento de Dios aleteaba por encima de las aguas» (1, 2). Hay una gran afinidad entre las palabras «soplo - espiración» e «inspiración». El Espíritu es el misterioso artista del universo. En la perspectiva del tercer milenio, quisiera que todos los artistas reciban abundantemente el don de las inspiraciones creativas, de las que surge toda auténtica obra de arte.

Queridos artistas, sabéis muy bien que hay muchos estímulos, interiores y exteriores, que pueden inspirar vuestro talento. No obstante, en toda inspiración auténtica hay una cierta vibración de aquel «soplo» con el que el Espíritu creador impregnaba desde el principio la obra de la creación. Presidiendo sobre las misteriosas leyes que gobiernan el universo, el soplo divino del Espíritu creador se encuentra con el genio del hombre, impulsando su capacidad creativa. Lo alcanza con una especie de iluminación interior, que une al mismo tiempo la tendencia al bien y a lo bello, despertando en él las energías de la mente y del corazón, y haciéndolo así apto para concebir la idea y darle forma en la obra de arte. Se habla justamente entonces, si bien de manera análoga, de « momentos de gracia », porque el ser humano es capaz de tener una cierta experiencia del Absoluto que le transciende.

La « Belleza » que salva

16. Ya en los umbrales del tercer milenio, deseo a todos vosotros, queridos artistas, que os lleguen con particular intensidad estas inspiraciones creativas. Que la belleza que transmitáis a las generaciones del mañana provoque asombro en ellas. Ante la sacralidad de la vida y del ser humano, ante las maravillas del universo, la única actitud apropiada es el asombro.

De esto, desde el asombro, podrá surgir aquel entusiasmo del que habla Norwid en el poema al que me refería al comienzo. Los hombres de hoy y de mañana tienen necesidad de este entusiasmo para afrontar y superar los desafíos cruciales que se avistan en el horizonte. Gracias a él la humanidad, después de cada momento de extravío, podrá ponerse en pie y reanudar su camino. Precisamente en este sentido se ha dicho, con profunda intuición, que «la belleza salvará al mundo».25

La belleza es clave del misterio y llamada a lo trascendente. Es una invitación a gustar la vida y a soñar el futuro. Por eso la belleza de las cosas creadas no puede saciar del todo y suscita esa arcana nostalgia de Dios que un enamorado de la belleza como san Agustín ha sabido interpretar de manera inigualable: «¡Tarde te amé, belleza tan antigua y tan nueva, tarde te amé!».26

Os deseo, artistas del mundo, que vuestros múltiples caminos conduzcan a todos hacia aquel océano infinito de belleza, en el que el asombro se convierte en admiración, embriaguez, gozo indecible.

Que el misterio de Cristo resucitado, con cuya contemplación exulta en estos días la Iglesia, os inspire y oriente.

Que os acompañe la Santísima Virgen, la «tota pulchra» que innumerables artistas han plasmado y que el gran Dante contempla en el fulgor del Paraíso como «belleza, que alegraba los ojos de todos los otros santos».27

«Surge del caos el mundo del espíritu». Las palabras que Adam Michiewicz escribía en un momento de gran prueba para la patria polaca28, me sugieren un auspicio para vosotros: que vuestro arte contribuya a la consolidación de una auténtica belleza que, casi como un destello del Espíritu de Dios, transfigure la materia, abriendo las almas al sentido de lo eterno.

Con mis mejores deseos.

Vaticano, 4 de abril de 1999, Pascua de Resurrección.

NOTAS:

Dialogus de ludo globi, Lib. II: Philosophisch-Theologische Schriften, Viena 1967, III, p. 332.
2.

Las virtudes morales, y entre ellas en particular la prudencia, permiten al sujeto obrar en armonía con el criterio del bien y del mal moral, según la recta ratio agibilium (el justo criterio de la conducta). El arte, al contrario, es definido por la filosofía como recta ratio factibilium (el justo criterio de las realizaciones).
3.

Promtehidion: Bogumi» vv. 185-186: Pisma wybrane, Varsovia 1968, vol. 2, p. 216.
4.

La versión griega de los Setenta expresó adecuadamente este aspecto, traduciendo el término t(o-)b (bueno) del texto hebreo con kalón (bello).
5.

Filebo, 65 A.
6.

Carta enc. Fides et ratio (14 septiembre 1998), 80: AAS 91 (1999), 67.
7.

San Gregorio Magno formuló magistralmente este principio pedagógico en una carta del 599 al Obispo de Marsella, Sereno: «La pintura se usa en las iglesias para que los analfabetos, al menos mirando a las paredes, puedan leer lo que no son capaces de descifrar en los códices», Epistulae, IX, 209: CCL 140 A, 1714.
8.

Alabanzas al Dios altísimo, vv. 7 y 10: Fonti Francescane, n. 261, Padua 1982, p. 177.
9.

2 Legenda maior, IX, 1: Fonti Francescane, n. 1162, l. c., p. 911.
10.

Enkomia del Orthós del Santo y Gran Sábado.
11.

Homilía, I, 2: PG 34, 451.
12.

«At nobis ars una fides et musica Christus»: Carmen 20, 31: CCL 203, 144.
13.

Cf. Carta ap. Duodecimum saeculum, al cumplirse el XII centenario del II Concilio de Nicea (4 diciembre 1987), 8-9: AAS 80 (1988), 247-249.
14.

La prospettiva rovesciata ed altri scritti, Roma 1984, p. 63.
15.

Paraíso XXV, 1-2.
16.

Cf. Homilía durante la Santa Misa al término de los trabajos de restauración de los frescos de Miguel Ángel (8 abril 1994): L'Osservatore Romano, ed. semanal en lengua española, 15 abril 1994, 12.
17.

Cf. AAS 56 (1964), 438-444.
18.

N. 62.
19.

Mensaje a los artistas (8 diciembre 1965): AAS 54 (1966), 13.
20.

Cf. n. 122.
21.

Const. past. Gaudium et spes, sobre la Iglesia en el mundo actual, 62.
22.

La teologia nel XII secolo, Jaca Book, Milán 1992, p. 9.
23.

CONC. ECUM. VAT. II, Const. past. Gaudium et spes, sobre la Iglesia en el mundo actual, 22.
24.

Himno de Vísperas de Pentecostés.
25.

F. DOSTOIEVSKI, El Idiota, p. III, cap. V.
26.

«Sero te amavi! Pulchritudo tam antiqua et tam nova, sero te amavi!»: Confesiones, 10, 27, 38: CCL 27, 251.
27.

Paraíso, XXXI, 134-135.
28.

Oda do m»odoÑci, v. 69: Wybór poezji, Breslau 1986, vol. I, p. 63.
http://al.artelista.com

*

2008-05-20T11:51:50+00:00

Topaz;Pricing and valuation,The University of Texas at Austin

2008-05-21T12:10:57+00:00

Pricing and valuation

The ranchers say in my land "Anyone who does not know, is how he saw no" and have quite rightly can be standing on top of a gold mine and whether it is not known because you never know, that this was stopped on a gold mine, and mine is not discovered.

* Flawless or nearly flawless topaz rough widely available; don't accept a stone that is visibly included.
* Reds, intense pinks or violets are rarest, most expensive (reds $300-$1000/carat; pinks $100-$500/carat in 1-5 carat sizes)
* Imperial topaz of a very intense orangish-red next most expensive ($100-$400/carat in 5 carat sizes; $50-$200 in 1-2 carat sizes)
* Yellow to yellow-brown is common, less than $50/carat
* Blue, particularly deep blue ("London blue"), extremely popular, common; has replaced aqua. as the "inexpensive" blue stone of choice because it costs considerably less. Recent wholesale prices for 3 carat gemstones:
o Sky Blue - $0.75-1.50/carat
o London Blue - $3-4.50/carat
o Super Blue - $3.50-10.00/carat
* Some treated stones (particularly the expensive reds, pinks, violets and deep oranges, but not blue) are known to fade with prolonged exposure to direct sunlight.

As you saw stones treated who come mainly from Brazil lose their color with the sunlight, on the other hand these figures are from 1988 on eBay there are fresh data, this link in the sidebar (sidebar).

Este es el Link a ;La Universidad de Texas en Austin,el Jackson School of Geosciences;da estos precios
Aquí esta la dirección;http://www.geo.utexas.edu,para que no pierda usted el tiempo,al llegar a la página de inicio( La Portada)ponga simplemente en la caja de búsqueda;topaz valuation.

El Cristo de la Tierra;Obra de Alberto Thirion

2008-05-19T21:40:20+00:00

Topaz Red

2008-05-29T10:07:47+00:00

¿ Como puedo beneficiar a otros, al mismo tiempo que me beneficio yo?

Una gran idea por ejemplo es esta de enviar dos gemas,para ver en cuanto las pude ustad vender y si esto, nos conviene a ambos pues continuamos,aumentando gradualmente la cantidad,para ser sincero creo que la idea se me vino a la cabeza por una pelicula que se llama "Ice Green",aqí se trataba más o menos de lo mismo,un colombiano que le mandaba esmeraldas a un gringo en Nueva York,se las mandaba rebueltas con el café y pues nada!,que el yanqi las vendia muy bien, y le mandabo su dinero a Lucio que asi se llama el socio Colombiano.
Pero Lucio y el gingo se conocian y eran amigos,aquí la cosa cambia.
Yo ahora estoy pidiendo $50.00 USD antes de mandarlas,para protejerme un poco, y ver si hay formalida,en principio,pues hay muchas personas que no son serias.
En ese link de $50.00 USD,que esta arriba,ponga usted;pink topaz en la caja de search y verá una piedra que se vende en $8.015.50 USD con un peso de 9.43 carats es decir un poco menos de 2 gramos,pero eso no es todo además la piedra esta tratada por calor,es decir no es naturalmente de color rosa,su color fué alterado por el calor y esto ahí miso lo dicen.
Mis piedras sí son genuinas.
Son Naturales !!!
Hoy vivimos como todos sabemos en la era de la informática y esto que digo aquí no es dfícil de checar en la Red.
Sí usted quiere probar fortuna con las gemas,esta es una su oportunidad.
Cotacteme;el botón Kontactr,en el inicio de la página,en la barralateral(sidebar)por donde esta el traductor de idiomas.